[Artista de cerámica: Yuka Ando] Color, forma y lo que hay más allá

El día que visité Tamba Sasayama hacía tanto frío que nevaba.

El aire en las montañas era cristalino, e incluso el sonido de los pasos parecía desvanecerse en la distancia.

En un día de invierno como ese, visité el estudio y la casa de la artista de cerámica Yuka Ando.

El edificio, renovado por su esposo, tiene una apariencia moderna que permite la entrada de mucha luz, conservando a la vez vestigios de la arquitectura tradicional japonesa.

Lo nuevo y lo antiguo no entraban en conflicto, sino que se fusionaban naturalmente en el mismo espacio.

Este edificio, que funciona como espacio de trabajo y vivienda, posee una profunda calidez que acoge a las personas sin pretensiones.

Antes de comenzar a filmar, el Sr. Ando nos ofreció té.

Con las tazas humeantes frente a nosotros, la conversación fluyó naturalmente desde su proceso creativo hasta su vida cotidiana.

Es un conversador hábil y alegre, alguien que crea un ambiente relajado, pero cada palabra que pronuncia es reflexiva y precisa.

Sin darme cuenta, la tensión inicial de conocerlo se había disipado por completo.

Al hablar sobre su enfoque del proceso creativo y su mundo interior, su tono claro y preciso, al tiempo que elegía cuidadosamente sus palabras, dejó una impresión duradera.

Su disposición a hablar abiertamente sobre sus dudas y debilidades pasadas reveló una fortaleza en su inquebrantable autocrítica.

Detrás de su carácter alegre, creo que posee una profunda fortaleza interior.

Lo primero que llama la atención de las obras expuestas en las estanterías del taller son sus formas dignas y sus bellas siluetas.

Cada pieza irradia una presencia natural a la vez que conserva un fuerte sentido de individualidad.

Las formas refinadas revelan la experiencia acumulada y el proceso de ensayo y error a lo largo de su trayectoria creativa.

Sobre esto se superponen colores suaves y profundos.

Sin depender nunca de un solo color, las capas de suaves gradaciones cromáticas crean una paleta rica y expresiva.

La impresión cambia según el ángulo de visión y la incidencia de la luz, dejando una impresión pictórica a pesar de tratarse de un recipiente.

Hubo momentos que me recordaron a los paisajes de Turner que representan la niebla y la luz.

Al preguntarle sobre su proceso creativo, el Sr. Ando me comentó que rara vez decide los colores y las formas basándose únicamente en la intuición.

Experimenta, reflexiona y desarrolla la idea.

Tras repetir este proceso muchas veces, la obra toma forma.

Y una vez terminada, se da cuenta de repente de que hermosos paisajes que ha visto en el pasado se reflejan en la obra.

El color del cielo que vio en sus viajes, los cambios constantes de luz, los paisajes que permanecieron en su corazón.

Estos elementos se almacenan como recuerdos y, con el tiempo, aparecen involuntariamente en la obra.

Su forma de hablar transmitía la sinceridad y la concentración de un investigador que se dedica con ahínco al color.

La obra de Ando posee una energía definida.

Sin embargo, no es una fuerza abrumadora que abrume al espectador.

Es algo que surge de forma natural a medida que lleva la forma hasta sus límites y continúa explorando el color.

Sus palabras contundentes y la tensa atmósfera que impregnaba el lugar parecían profundamente conectadas con su enfoque creativo.

Al salir del estudio, el frío se había intensificado desde mi llegada.

Sin embargo, una extraña calidez permanecía en lo profundo de mi corazón.

Su personalidad alegre, la innegable fuerza que ocultaba en su interior y la energía que emanaba de su obra.

Todo lo que recibí de ella me hizo sentir como si nos calentara desde dentro, incluso en el aire frío.