[Naoki Yamamoto, céramiste] Immergé dans la nature, il transpose ses paysages sur ses créations. Un cheminement personnel vers l'art de créer des poteries aimées.

– Pour commencer, comment avez-vous découvert la poterie ?

Ma mère pratiquait déjà la poterie en tant que hobby, donc cet art m'était familier. Cependant, elle n'en faisait pas son métier, c'était juste un passe-temps, et j'ai moi-même travaillé dans un autre domaine pendant une dizaine d'années.

C'est en me demandant : "N'y a-t-il pas un travail dans lequel je pourrais vraiment m'investir ?" que j'ai commencé à suivre des cours de poterie. Mon premier cours a eu lieu dans un centre culturel, un endroit où les hommes d'une trentaine d'années étaient rares, et je me retrouvais souvent parmi des femmes plus âgées.

C'est comme ça que tout a commencé.

– Quand avez-vous décidé de faire de la poterie votre métier ?

Après avoir fréquenté le centre culturel, j'ai aussi commencé à suivre des cours auprès d'un professeur indépendant. En persévérant, l'idée m'est venue : "Ne pourrais-je pas en faire mon métier ?"

C'est ainsi que l'année suivante, j'ai décidé de m'inscrire dans une école de formation en poterie. J'y allais environ cinq jours par semaine, tout en travaillant à temps partiel et en cherchant un emploi. C'est à ce point que la poterie m'avait passionné.

Quelque temps après, je suis retourné dans ma ville natale et j'ai commencé la poterie dans cet atelier.

– Quand vous avez commencé votre carrière d'artiste, comment présentiez-vous vos œuvres ?

Au début, je postulais à des marchés aux puces et des foires artisanales, et si ma candidature était acceptée, je pouvais exposer. J'ai commencé par ce qu'on appelle des marchés d'artisans.

J'ai fonctionné ainsi pendant les deux ou trois premières années. J'apportais mes créations et les montrais directement aux clients.

Puis, à partir de la troisième année environ, j'ai commencé à être sollicité par des boutiques et des événements dans des grands magasins. Les opportunités d'exposer sur invitation se sont multipliées.

– Avez-vous rencontré des difficultés dans votre travail de potier ?

Heureusement, je n'ai presque jamais ressenti de "difficultés".

Bien sûr, au début, j'ai probablement eu quelques inquiétudes concernant les revenus. Mais j'avais décidé de faire de cela mon chemin, donc je n'ai jamais ressenti de souffrance morale.

Pour être honnête, ce n'est que des douleurs physiques ou des courbatures (rires).

L'option d'arrêter n'existait pas. C'était à ce point que j'étais passionné.

Q5. Votre approche de la création artistique a-t-elle changé depuis vos débuts ?

Au début, je poursuivais ce que j'aimais et les couleurs que j'aimais.

Je regardais des antiquités étrangères, achetais des objets qui me plaisaient dans les boutiques d'objets divers, et j'essayais de les intégrer dans mes œuvres.

À cette époque, je vendais mes œuvres moi-même, donc j'étais très attentif aux réactions des clients. Même si je pensais qu'une pièce était bonne, elle pouvait ne pas du tout attirer l'attention.

C'est pourquoi, à partir de ce moment, j'ai commencé à créer davantage en tenant compte des réactions des clients, plutôt que de me contenter de faire ce qui me plaisait.

Après tout, la plus grande joie pour moi est de voir les clients heureux.

– Qu'est-ce qui vous inspire le plus dans votre travail récent ?

Récemment, mes inspirations ont un peu changé. Plutôt que les œuvres d'autres artistes ou les musées, c'est de la nature, de ses paysages et de son ambiance que je tire mon inspiration.

J'ai commencé à réfléchir à la manière d'incorporer les couleurs des arbres, des forêts, du ciel, ces paysages naturels, dans mes œuvres. C'est comme si je me rapprochais de la nature.

Au début, ma technique n'était pas encore au point, donc même si je voulais créer une pièce spécifique, je ne pouvais pas la reproduire. Mais maintenant, je peux créer quelque chose d'assez proche.

C'est pourquoi, aujourd'hui, je crée avec le sentiment de me lier à la nature.

– Parlez-moi de votre style actuel.

Au début, je créais de la vaisselle blanche standard appelée "Kohiki". C'était un style où l'on appliquait de la boue blanche sur de la terre rouge, puis une glaçure transparente par-dessus.

J'aimais beaucoup cette ambiance, et j'en faisais souvent quand j'allais aux cours de poterie et à l'école.
Cependant, je n'avais pas beaucoup vu ce style où l'on appliquait délibérément une glaçure colorée par-dessus, alors j'ai voulu essayer.

J'ai donc tenté d'utiliser une glaçure bleue sans boue blanche pour obtenir un beau bleu, mais le résultat était plus esthétique avec la boue blanche.

Depuis, je maintiens ce style depuis plus de 10 ans. Le désir de créer quelque chose d'un peu différent des autres a peut-être toujours été fort en moi.

– Si vous aviez un conseil à donner aux jeunes qui aspirent à la poterie, quel serait-il ?

Je pense qu'il faut chérir l'enthousiasme initial et le sentiment de plaisir que l'on a ressenti au début.

Bien sûr, je passe moi-même mes journées à oublier ces choses. Mais quand je regarde en arrière, ce sentiment initial reste profondément gravé en moi.

De plus, un potier célèbre m'a un jour dit : "Crée de l'intérieur", et au début, je n'ai pas compris le sens. Mais en persévérant, j'ai peu à peu commencé à comprendre.

En d'autres termes, il s'agit de se sonder soi-même. "Qu'est-ce que j'aime vraiment ?", "Qu'est-ce que je veux faire ?". Je pense qu'il est important de continuer à se poser ces questions.

Aller dans de bons restaurants, visiter des musées, toutes ces expériences sont interconnectées.

– Quel est votre propre vision pour l'avenir, Monsieur Yamamoto ?

Personnellement, j'aimerais vivre en étant plus proche de la nature à l'avenir. Manger, dormir, cultiver la terre et travailler. C'est l'idéal d'une vie où le travail et la vie quotidienne sont naturellement liés.

La poterie existe depuis des milliers d'années. Je me sens lié à ce long héritage, même si ce n'est qu'en partie. J'aimerais continuer à créer des objets qui me ressemblent, en me laissant porter par ce flux naturel.